“Retablo de Ororbia” es una obra del Maestro de Ororbia (anónimo).
Año: 1520
Técnica: Pintura sobre tabla
Estilo: Gótico tardío
Se conserva en: Iglesia de San Julián de Ororbia, Navarra, España

Escena analizada:

El Retablo de San Julián de Ororbia, creado en 1520 por el Maestro de Ororbia, nombre atribuido a un artista anónimo del cual se desconoce la identidad. Es una obra emblemática del gótico tardío, conservada en la Iglesia de San Julián de Ororbia, Navarra. Este retablo narra episodios clave de la vida de San Julián a través de una serie de nueve tablas principales ricamente detalladas. Las escenas combinan elementos religiosos y cotidianos, mostrando tanto su vida espiritual como momentos como la construcción del hospital que mandó edificar como penitencia. Las figuras, típicas del gótico tardío, son alargadas y estilizadas, con gestos expresivos y un detallado trabajo en los ropajes y escenarios. El uso de fondos dorados y la composición equilibrada reflejan la influencia de la pintura flamenca, popular en la época. Este retablo destaca no solo por su valor artístico, sino también por su función pedagógica, al transmitir la historia del santo a través de imágenes impactantes y llenas de simbolismo religioso.

En la escena que analizamos, se representa a San Julián visitando las obras del hospital que mandó construir. En primer plano aparecen los comitentes, quienes siguen las explicaciones del arquitecto, mientras que al fondo se observan a nueve oficiales trabajando sobre andamios de madera. En primer plano herramientas propias de constructor: escuadra, compás, pico, mazo, etc…

De estos operarios analizamos sus riesgos laborales.

La escena muestra una construcción del siglo XVI, con trabajadores subidos a andamios de madera mientras realizan labores de construcción. No se observan medidas de seguridad como barandillas, redes de protección, cascos, o sistemas de sujeción para evitar caídas. Estas prácticas, comunes en la época, representan altos riesgos que en la actualidad estarían regulados y prevenidos por normativas estrictas en materia de prevención de riesgos laborales.

Me parece curioso destacar que la escena reproduce lo que hoy llamaríamos “visita de obra”. El arquitecto acompaña a una serie de personas notables y les hace explicación de la evolución de los trabajos de construcción de la catedral. Por lo que se intuye no les preocupan demasiado las condiciones laborales de seguridad.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y DE SUS RIESGOS LABORALES (criterios actuales):

• Caídas en altura: Los oficiales están trabajando sobre andamios de madera sin barandillas de seguridad ni líneas de vida (art. 16 del RD 2177/2004 sobre trabajos en altura). La ausencia de equipos de protección individual (EPI) como arneses o cascos incrementa el riesgo de caídas desde alturas significativas, con consecuencias graves o mortales.
• Desprendimiento de materiales: En el contexto de la obra, no se aprecian redes de seguridad ni protección contra la caída de herramientas o materiales desde los andamios (art. 140 del RD 1627/1997 sobre disposiciones mínimas de seguridad en obras de construcción). El riesgo de golpes por objetos caídos es evidente tanto para los trabajadores en la base de la obra como para los comitentes presentes en la visita.
• Sobreesfuerzos físicos: Aunque no se aprecia en el detalle exacto de la tabla, es probable que los oficiales estén sometidos a sobreesfuerzos físicos al manejar materiales pesados, sin mecanismos de elevación mecánica que distribuyan las cargas de forma segura. Esto supone riesgos de lesiones musculoesqueléticas (art. 3 del RD 487/1997 sobre manipulación manual de cargas).
• Condiciones ergonómicas inadecuadas: Los andamios de madera que no ofrecen una plataforma adecuada para moverse o trabajar con comodidad, además de la posible exposición prolongada a posturas forzadas, podrían generar fatiga y aumentar el riesgo de accidentes por falta de concentración (art. 5 del RD 488/1997 sobre trabajos con pantallas de visualización, adaptado a este contexto).

Este análisis, partiendo de una obra artística de hace más de cinco siglos, nos recuerda cómo las condiciones laborales han avanzado para garantizar una mayor seguridad en el ámbito de la construcción, aunque aún es un área donde la prevención debe seguir mejorándose y adaptándose a las nuevas tecnologías y exigencias del trabajo moderno.

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Año: 1.895

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Estilo: Realismo social, S XIX

Medidas: altura 131,5 cm; ancho 187 cm

Autor: Erik Henningsen (Dinamarca), 1855–1930

Se conserva en la Staten Museum for Kunst de Copenhagen (Dinamarca) – https://www.smk.dk/en/

El cuadro, Un obrero herido («En saret arbejder»). Obra de Erik Henningsen. 1895, se encuentra expuesto en “Staten Museum for Kunst» –  Galeria nacional de Dinamarca, es uno de los ejemplos más claros de su denuncia social. La obra, también denominada “Después del accidente”, muestra a un trabajador herido o fallecido después de un accidente laboral, rodeado de su familia y compañeros, mientras el médico o los encargados del lugar observan. Este tipo de escenas no era habitual en la pintura danesa de la época, lo que convierte a Henningsen en una figura pionera dentro del realismo social.

El cuadro refleja la inseguridad laboral de la época industrial, un tema que resonaba con fuerza en una época de crecimiento industrial en Dinamarca y el resto de Europa. Henningsen pinta a los trabajadores de forma digna, pero no oculta la dureza de sus vidas ni los peligros inherentes a sus trabajos.

Contribución Artística y Legado

Aunque su estilo no se alineó con las corrientes de vanguardia que surgieron más tarde, como el impresionismo o el expresionismo, Erik Henningsen fue muy respetado por su habilidad técnica y su sensibilidad social. Además, su enfoque en los problemas sociales tuvo un impacto duradero en el arte danés, influyendo en generaciones posteriores de artistas que también se interesaron en la representación de temas sociales y políticos.

Erik Henningsen, junto con otros pintores realistas de la época, ayudó a transformar la función del arte, mostrando que no sólo debía ser bello, sino también un medio para generar conciencia y empatía en relación con los problemas de su tiempo.

En resumen, Erik Henningsen fue un pintor profundamente comprometido con la realidad de su entorno y con el sufrimiento de las clases trabajadoras. Su obra, como «Un obrero herido», sigue siendo un testimonio elocuente de la lucha y las dificultades que enfrentaban los trabajadores en una era de creciente industrialización y desigualdad.

Erik Henningsen (1855-1930) fue un destacado pintor danés conocido por su realismo social y por retratar las condiciones de vida y trabajo de las clases trabajadoras en Dinamarca a finales del siglo XIX y principios del XX. Nacido en Copenhague, Henningsen se formó en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y fue uno de los artistas más importantes de su época, influyendo notablemente en la pintura danesa con su compromiso con las causas sociales.

Temas Principales de su Obra

Henningsen es famoso por su capacidad para capturar escenas cotidianas de la vida de los sectores más desfavorecidos de la sociedad. A través de su arte, buscaba concienciar sobre las dificultades, injusticias y condiciones de vida de los trabajadores urbanos, campesinos y los pobres. A diferencia de otros artistas que se enfocaban en la burguesía o temas más tradicionales, Henningsen puso su mirada en los aspectos menos privilegiados de la sociedad.

Algunas características notables de su obra incluyen:

1. Realismo Social: Henningsen se enmarca dentro de la corriente del realismo, que se apartaba de las representaciones idealizadas para mostrar la vida tal como era, con todos sus desafíos y dificultades. Sus cuadros a menudo retratan momentos de sufrimiento, pobreza, o lucha, como en la obra que mencionas.
2. Escenas Cotidianas: Muchos de sus cuadros representan escenas cotidianas de las calles de Copenhague, como trabajadores, niños jugando, manifestaciones políticas o el impacto de la pobreza. Esto ofrecía a la sociedad un reflejo de la vida real, algo que no siempre era cómodo para los sectores más privilegiados.
3. Denuncia Social: A través de su arte, Henningsen denunciaba la desigualdad social, las difíciles condiciones laborales y los riesgos asociados a trabajos industriales o agrícolas. Muchas de sus obras ilustran los peligros de los lugares de trabajo y las tragedias personales de las familias trabajadoras.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Riesgo de caída a distinto nivel.

Falta de orden y limpieza en el centro de trabajo.

Inadecuada ropa de trabajo

Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Arnés de seguridad, Ropa de trabajo, guantes, etc..)

Otros riesgos no evidentes pero que se pueden deducir (Horarios de trabajo, falta de formación en caso de emergencia,…)

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“Retablo de san Marcos” es una pintura de estilo gótico catalán realizada por Arnau Bassa.

Año: 1.346

Técnica: Retablo sobre madera

Estilo: Gótico (catalán)

Medidas: 226 (alto) × 250 (ancho) cm

Se conserva a la Colegiata Basílica de Santa Maria de Manresa, más conocida como Seu de Manresa (Barcelona).

A esta obra se la conoce como el retablo de San Marcos y san Aniano, puesto que el relato de la obra recoge en su tabla central la relación de San Marcos y san Aniano, la conversión de este y su consagración como obispo de Alejandría.

Inicialmente el gremio de zapateros lo encargó al pintor Arnau Bassa en 1346 por una capilla de la catedral de Barcelona. Cuando lo sustituyeron, el retablo fue a parar a la capilla de San Marc de Manresa, a los pies del Puigcardener, hasta que en 1902 se trasladó a la Seu (Catedral).

En formato de tríptico, la obra presenta varios episodios de la vida del santo, desde que se convierte al cristianismo hasta el suplicio de su muerte. La presencia de simbología en lo referente al gremio de zapateros es constante y se hace especialmente evidente a la casulla de San Marcos, investido obispo por San Aniano.

El autor, Arnau Bassa, hijo de Ferrer Bassa, empezó a aparecer relacionado con su padre a partir de 1345 como componente de su taller. Esta es su obra más destacada y la que le dio nombre al maestro de San Marcos, hasta que se pudo certificar su autoría mediante un recibo del 11 de diciembre de 1346.

El retablo tiene una estructura de tres bloques acabados en gablete y dos montantes acabados en pináculos, situados entre las tablas. No tiene predela.

Los bloques laterales contienen tres pisos de escenas, mientras que la calle central está formado por la tabla principal y está rematado por una crucifixión situada dentro del gablete.

Una de las escenas más conocidas del retablo se refiere a un milagro del santo hecho con unos zapateros trabajando. Esta es lo escena que nos interesa más en el contexto de Art&Prevention.

Esta escena se encuentra en el nivel central del bloque izquierdo e incorpora dos escenas:

A la izquierda, la escena se sitúa al taller del zapatero Aniano en la calle -un hecho habitual en la edad media- en el barrio de Racotis de Alejandría. A Marc se le había roto la sandalia y se acercó al taller del zapatero para que la repararan. Cuando Aniano se dispone a arreglarla, se pincha con una lezna y lanza un grito «Dios es el único !» ( Heis lo Theos). Marcos, cogiendo un poco de barro que le aplica sobre la herida, procede a curarlo milagrosamente mientras le explica la historia de la figura de Jesús y su sacrificio por toda la humanidad.

En este contexto se trataría de un accidente laboral y la rápida práctica de los primeros auxilios.

A la derecha, casi como un continuo, Maros está predicando los familiares de Aniano en la casa donde fue invitado.

Esto se podría entender como una formación en prevención de riesgos laborales.

Más información sobre la obra en “WIKIPEDIA – La Enciclopedia libre”. https://es.wikipedia.org/wiki/Retablo_de_San_Marcos_(Bassa)

Seu de Manresa. https://seudemanresa.cat/?lang=es

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

• Trabajo a la intemperie
• Riesgo de pinchazos y cortes.
• Posturas forzadas
• Deficiente diseño ergonómico del puesto de trabajo.
• Fatiga visual.
• Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, mascarillas, gafas de trabajo, etc.)
• Inadecuada ropa de trabajo.
• Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Horarios de trabajo, disconfort térmico, …

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“LA FRAGUA” es una obra del pintor FRANCISCO DE GOYA LUCIENTES.

Año: entre 1.815 y 1.820

Técnica: Oleo sobre tela

Estilo: Realismo

Medidas: 181,60 x 125,00 cmts

Se conserva en : The Frick Collection. Nueva York, Nueva York, USA

Históricamente la obra pertenecía a Javier Goya (hijo del pintor) que la vendió al Barón Taylor para la galería española de Luis Felipe I de Orleans. En 1.853 la pintura fue vendida por intermediación de Christie’s de Londres por la suma de 10 Libras. El nuevo propietario fue Henry Clay Frick, fundador de la colección donde está todavía expuesta hoy en día. The Frick Collection.

La obra representa a un grupo de 3 hombres trabajando alrededor del fuego en trabajos de fragua y forja de metal.

Uno de los hombres está de espaldas al observador y empuña un martillo que tiene alzado, en posición de dejarlo caer para dar un mazazo a la pieza que están trabajando.

Los otros dos hombres representados, uno está sujetando con fuerza una pieza sobre el fuego y el otro, aparentemente de mayor edad, realiza una tarea de ayuda que no se identifica bien.

La escena es muy impactante por su realismo y por la excelente representación de fuerza humana que denotan los 3 personajes. La dureza de la tarea y el trabajo desarrollado queda muy patente en esta pintura.

Alguien ve en la obra una cierta metáfora, en la que los hombres representan al pueblo español y el hierro representa al ejército francés.

Goya uso una paleta cromática oscura que hace presagiar su estilo pictórico tan característico de su última etapa creativa.

Es muy probable que Goya hubiera visto personalmente muchas veces alguna escena como la representada, dado que en algunos esbozos y apuntes suyos se han catalogado escenas muy similares.

Más información y fuentes:

“WIKIPEDIA – «Enciclopedia libre”. https://es.wikipedia.org/wiki/la_fragua_(pintura)

Fundación Goya en Aragón. https://fundaciongoyaenaragon.es/eng/obra/la-fragua/462

The Frick Collection. https://collections.frick.org/objects/196/the-forge

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

• Trabajo a la intemperie
• Riesgo de quemadura
• Movimientos repetitivos
• Posturas forzadas
• Cortes y golpes
• Exposición a ruido
• Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, mascarillas respiratorias, calzado de seguridad, gafas de trabajo, etc.)
• Inadecuada ropa de trabajo.
• Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Exposición a ruido, horarios de trabajo, Inhalación de partículas, disconfort térmico, …

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“RUBY LOFTUS SCREEWING A BREECH-RING” de Laura Knight

Año: 1.943

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Realismo

Medidas: 86,3 x 101,9 cmts

Se conserva en:  Imperial War Museum – London (U.K.)

Ruby Loftus Screwing a Breech Ring, es una pintura de la artista británica Laura Knight pintada por encargo en 1.943.

Representa una mujer joven, Ruby Loftus, operando un torno industrial en el contexto de la industria bélica británica durante la Segunda Guerra Mundial. Fue encargada por el War Artists Advisory Committee – WAAC (Comité Asesor de Artistas de Guerra), y actualmente forma parte de la colección de arte del Imperial War Museum.

La obra se inspira en una trabajadora real. La presenta en una fábrica haciendo trabajos muy técnicos que, habitualmente, estaban (y quizás todavía lo están hoy en día?) responsabilidad de hombres. Este tipo de trabajos requieren un aprendizaje y un oficio que normalmente era reservado al género masculino. Este es el principal mensaje de esta obra, que quiere transgredir y motivar al espectador mediante la evidencia que las mujeres pueden acceder perfectamente a estos trabajos tradicionalmente reservados a los hombres.

Parece ser que Ruby Loftus, la chica que realizaba estos trabajos y en la cual se inspira la autora, era muy hábil al desarrollar las tareas con el torno, a pesar de ser muy joven e inexperta. Esto abrió los ojos a los miembros de WAAC para encargar una pintura donde se reflejara esa destreza. La pintura fue encomendada a la pintora Laura Knight que enseguida aceptó el encargo.

Inicialmente Knight quería pintar la chica en un tradicional retrato de estudio, posando, pero finalmente se decantaron para pintarla en pleno trabajo a la factoría de la Real Fábrica de Artillería de Newport

Tanto el tema (industria) como el estilo altamente detallista y realista de la pintura son un canto al poder de la mujer. Se trataba de transmitir un mensaje (no olvidamos que estamos en plena II guerra mundial) de potencia, de normalidad y de capacidad técnica en un Reino Unido del todo implicado en esa contienda.

La pintura y su autora adquirieron mucha popularidad. El impacto propagandístico del retrato dio impulso a la contratación de mujeres en las fábricas de munición y acabó siendo un símbolo de la mano de obra femenina y del esfuerzo industrial vinculados a la guerra. ¡¡¡Misión cumplida!!!

La pregunta es: ¿Actualmente podríamos hacer una versión de este cuadro? ¿En qué tipo de trabajos haríamos posar a las mujeres? ¿En qué País? ¿En qué entorno social?….

Esta es la grandeza del arte. Nos hace reflexionar y hacernos preguntas.

Más información y fuentes en:

Wikipedia – la enciclopedia libre.

Imperial War Museum.

Museu de la Ciència i la tècnica de Catalunya.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Riesgo de atrapamiento de manos.

Riesgo de proyección de partículas.

Posturas forzadas.

Cortes y golpes.

Exposición a ruido.

Movimientos repetitivos.

Inhalación de sustancias potencialmente nocivas.

Fatiga visual.

Ropa de trabajo no adecuada. Carencia de Equipos de Protección Individual – EPI (Guantes, gafas, protección auditiva).

Otros riesgos no evidentes pero previsibles: Turnos de trabajo, Riesgos psicosociales, Disconfort térmico,….

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“MURALES DE LA INDUSTRIA DE DETROIT” de Diego de Rivera

Año: 1.933

Técnica: Fresco

Estilo: Realismo social

Medidas:  27 paneles monumentales (s/d)

Se conserva en: Detroit Institute of Arts – Detroit (USA)

A mediados de 1932, Diego Rivera firmó un contrato con la DIA para decorar las paredes del patio interior del Instituto de las Artes de Detroit. Financiado por Edsel Ford (hijo del fundador la Ford Motor Company), Rivera pudo producir su obra casi como se hacía en el renacimiento: con ambiciosos frescos y poderosos mecenas.

Eran tiempos del New Deal para arreglar la crisis del 29, y los millonarios filántropos estadounidenses tampoco veían con muy malos ojos que el artista fuera abiertamente marxista (aunque Rockefeller hizo destruir otro mural en el que salía Lenin…).

Así Rivera pudo plasmar su visión de la importante industria automotriz de la ciudad desde el punto de vista obrero, pues para él los proletarios eran el verdadero motor de dicha industria. Y de paso pudo hacerlo en el corazón mismo del capitalismo.

Diego Rivera pintando uno de los murales.

El pintor visitó la fábrica durante meses y realizó numerosos bocetos para decidirse al final por un lenguaje realista para que sus pinturas fueran accesibles al hombre común, pero combinado con sus típicos elementos precolombinos, además del cubismo y futurismo que había aprendido en París.

Del futurismo tomó esa exaltación del movimiento y de la máquina, y por supuesto la temática: el mundo industrial era digno de ser presentado como tema del arte del siglo XX.

Ya se conocía el interés de Diego Rivera por la tecnología. Para el artista, el progreso de la humanidad se debe a la ciencia. Juntos, obreros de diferentes razas contribuyen con su fuerza de trabajo para crear mundo mejor. Como vemos, todo se basa en la producción del coche, dejando de lado su mercantilización.

Rivera realizó estos 27 paneles en tan solo 9 meses y al final sería bastante criticado (un comunista trabajando para la élite burguesa…), pero para él, el fin justificaba los medios, y así además podía ganar un dinerillo y visitar un país que lo fascinaba.

Muro Sur

Muro Norte

Simbolismo

Los murales, que Rivera consideraba una de sus obras más logradas, yuxtaponen brillantes colores tierra y formas post-impresionistas simples, en el estilo narrativo de las estelas mayas, contra el fondo de una Detroit monótona cubierta por el humo de la maquinaria que la mantiene con vida. Celebrando la creación y la destrucción mediante la ciencia, la medicina y la tecnología, Rivera combina las deidades de la tierra y del cielo, el poder humano y el de las máquinas, la curación y el envenenamiento, la guerra y la paz. También captura la intensidad de la línea de montaje robótica y una reveladora tensión entre los trabajadores de las fábricas, las enormes máquinas y los supervisores al timón.

Las gigantes figuras de las «Razas Roja y Negra» y las «Razas Blanca y Amarilla» reflejan la gran visión integradora de Rivera, con referencias a los estratos geológicos correlativos, hierro, carbón, piedra caliza y arena, que indican la conexión entre el acero y las materias primas que alimentan los procesos naturales de la Tierra.

Los frescos de Rivera en las paredes occidentales del patio son sumamente reveladores: en ellos se contrastan los aspectos positivos de la industria de la aviación y la química, donde los aviones vuelan como palomas a través del mundo y la ciencia descubre nuevos productos para mejorar el comercio y la humanidad. Esto contrasta con los aviones de guerra, que atacan cuales halcones, soltando la muerte en la forma de gas mostaza, y donde los empleados y los pilotos deben usar máscaras de gas para respirar. La fuerza del militarismo ya era una acusación clave en Detroit Industry entonces, tanto como lo es ahora.

Dada la magnitud de esta obra tanto en tamaño como en contenido) para este análisis del Divertimento nos hemos centrado en el panel de los operarios trabajando en una fábrica de automóviles correspondiente al “Muro norte”.

DETALLE DE LOS FRESCOS:

Fuentes : https://es.wikipedia.org;  https://www.dia.org/art/rivera-court; www.wilderutopia.com; https://historia-arte.com  ;  http://www.sinpermiso.info;

MÁS: Art&Prevention

ANÁLISIS DE LA OBRA (MURO NORTE)  Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Posturas forzadas

Manipulación de cargas

Riesgo de atrapamiento por elemento móviles

Cortes y golpes

Caídas a diferente nivel

Movimientos repetitivos

Equipos de trabajo con partes móviles desprotegidas

Inhalación de sustancias tóxicas

Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, mascarillas, protección auditiva, gafas de trabajo, etc.)

Inadecuada ropa de trabajo.

Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Exposición a ruido (de las prensas), horarios de trabajo…

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