“Retablo de Ororbia” es una obra del Maestro de Ororbia (anónimo).
Año: 1520
Técnica: Pintura sobre tabla
Estilo: Gótico tardío
Se conserva en: Iglesia de San Julián de Ororbia, Navarra, España

Escena analizada:

El Retablo de San Julián de Ororbia, creado en 1520 por el Maestro de Ororbia, nombre atribuido a un artista anónimo del cual se desconoce la identidad. Es una obra emblemática del gótico tardío, conservada en la Iglesia de San Julián de Ororbia, Navarra. Este retablo narra episodios clave de la vida de San Julián a través de una serie de nueve tablas principales ricamente detalladas. Las escenas combinan elementos religiosos y cotidianos, mostrando tanto su vida espiritual como momentos como la construcción del hospital que mandó edificar como penitencia. Las figuras, típicas del gótico tardío, son alargadas y estilizadas, con gestos expresivos y un detallado trabajo en los ropajes y escenarios. El uso de fondos dorados y la composición equilibrada reflejan la influencia de la pintura flamenca, popular en la época. Este retablo destaca no solo por su valor artístico, sino también por su función pedagógica, al transmitir la historia del santo a través de imágenes impactantes y llenas de simbolismo religioso.

En la escena que analizamos, se representa a San Julián visitando las obras del hospital que mandó construir. En primer plano aparecen los comitentes, quienes siguen las explicaciones del arquitecto, mientras que al fondo se observan a nueve oficiales trabajando sobre andamios de madera. En primer plano herramientas propias de constructor: escuadra, compás, pico, mazo, etc…

De estos operarios analizamos sus riesgos laborales.

La escena muestra una construcción del siglo XVI, con trabajadores subidos a andamios de madera mientras realizan labores de construcción. No se observan medidas de seguridad como barandillas, redes de protección, cascos, o sistemas de sujeción para evitar caídas. Estas prácticas, comunes en la época, representan altos riesgos que en la actualidad estarían regulados y prevenidos por normativas estrictas en materia de prevención de riesgos laborales.

Me parece curioso destacar que la escena reproduce lo que hoy llamaríamos “visita de obra”. El arquitecto acompaña a una serie de personas notables y les hace explicación de la evolución de los trabajos de construcción de la catedral. Por lo que se intuye no les preocupan demasiado las condiciones laborales de seguridad.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y DE SUS RIESGOS LABORALES (criterios actuales):

• Caídas en altura: Los oficiales están trabajando sobre andamios de madera sin barandillas de seguridad ni líneas de vida (art. 16 del RD 2177/2004 sobre trabajos en altura). La ausencia de equipos de protección individual (EPI) como arneses o cascos incrementa el riesgo de caídas desde alturas significativas, con consecuencias graves o mortales.
• Desprendimiento de materiales: En el contexto de la obra, no se aprecian redes de seguridad ni protección contra la caída de herramientas o materiales desde los andamios (art. 140 del RD 1627/1997 sobre disposiciones mínimas de seguridad en obras de construcción). El riesgo de golpes por objetos caídos es evidente tanto para los trabajadores en la base de la obra como para los comitentes presentes en la visita.
• Sobreesfuerzos físicos: Aunque no se aprecia en el detalle exacto de la tabla, es probable que los oficiales estén sometidos a sobreesfuerzos físicos al manejar materiales pesados, sin mecanismos de elevación mecánica que distribuyan las cargas de forma segura. Esto supone riesgos de lesiones musculoesqueléticas (art. 3 del RD 487/1997 sobre manipulación manual de cargas).
• Condiciones ergonómicas inadecuadas: Los andamios de madera que no ofrecen una plataforma adecuada para moverse o trabajar con comodidad, además de la posible exposición prolongada a posturas forzadas, podrían generar fatiga y aumentar el riesgo de accidentes por falta de concentración (art. 5 del RD 488/1997 sobre trabajos con pantallas de visualización, adaptado a este contexto).

Este análisis, partiendo de una obra artística de hace más de cinco siglos, nos recuerda cómo las condiciones laborales han avanzado para garantizar una mayor seguridad en el ámbito de la construcción, aunque aún es un área donde la prevención debe seguir mejorándose y adaptándose a las nuevas tecnologías y exigencias del trabajo moderno.

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Año: 1.895

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Estilo: Realismo social, S XIX

Medidas: altura 131,5 cm; ancho 187 cm

Autor: Erik Henningsen (Dinamarca), 1855–1930

Se conserva en la Staten Museum for Kunst de Copenhagen (Dinamarca) – https://www.smk.dk/en/

El cuadro, Un obrero herido («En saret arbejder»). Obra de Erik Henningsen. 1895, se encuentra expuesto en “Staten Museum for Kunst» –  Galeria nacional de Dinamarca, es uno de los ejemplos más claros de su denuncia social. La obra, también denominada “Después del accidente”, muestra a un trabajador herido o fallecido después de un accidente laboral, rodeado de su familia y compañeros, mientras el médico o los encargados del lugar observan. Este tipo de escenas no era habitual en la pintura danesa de la época, lo que convierte a Henningsen en una figura pionera dentro del realismo social.

El cuadro refleja la inseguridad laboral de la época industrial, un tema que resonaba con fuerza en una época de crecimiento industrial en Dinamarca y el resto de Europa. Henningsen pinta a los trabajadores de forma digna, pero no oculta la dureza de sus vidas ni los peligros inherentes a sus trabajos.

Contribución Artística y Legado

Aunque su estilo no se alineó con las corrientes de vanguardia que surgieron más tarde, como el impresionismo o el expresionismo, Erik Henningsen fue muy respetado por su habilidad técnica y su sensibilidad social. Además, su enfoque en los problemas sociales tuvo un impacto duradero en el arte danés, influyendo en generaciones posteriores de artistas que también se interesaron en la representación de temas sociales y políticos.

Erik Henningsen, junto con otros pintores realistas de la época, ayudó a transformar la función del arte, mostrando que no sólo debía ser bello, sino también un medio para generar conciencia y empatía en relación con los problemas de su tiempo.

En resumen, Erik Henningsen fue un pintor profundamente comprometido con la realidad de su entorno y con el sufrimiento de las clases trabajadoras. Su obra, como «Un obrero herido», sigue siendo un testimonio elocuente de la lucha y las dificultades que enfrentaban los trabajadores en una era de creciente industrialización y desigualdad.

Erik Henningsen (1855-1930) fue un destacado pintor danés conocido por su realismo social y por retratar las condiciones de vida y trabajo de las clases trabajadoras en Dinamarca a finales del siglo XIX y principios del XX. Nacido en Copenhague, Henningsen se formó en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y fue uno de los artistas más importantes de su época, influyendo notablemente en la pintura danesa con su compromiso con las causas sociales.

Temas Principales de su Obra

Henningsen es famoso por su capacidad para capturar escenas cotidianas de la vida de los sectores más desfavorecidos de la sociedad. A través de su arte, buscaba concienciar sobre las dificultades, injusticias y condiciones de vida de los trabajadores urbanos, campesinos y los pobres. A diferencia de otros artistas que se enfocaban en la burguesía o temas más tradicionales, Henningsen puso su mirada en los aspectos menos privilegiados de la sociedad.

Algunas características notables de su obra incluyen:

1. Realismo Social: Henningsen se enmarca dentro de la corriente del realismo, que se apartaba de las representaciones idealizadas para mostrar la vida tal como era, con todos sus desafíos y dificultades. Sus cuadros a menudo retratan momentos de sufrimiento, pobreza, o lucha, como en la obra que mencionas.
2. Escenas Cotidianas: Muchos de sus cuadros representan escenas cotidianas de las calles de Copenhague, como trabajadores, niños jugando, manifestaciones políticas o el impacto de la pobreza. Esto ofrecía a la sociedad un reflejo de la vida real, algo que no siempre era cómodo para los sectores más privilegiados.
3. Denuncia Social: A través de su arte, Henningsen denunciaba la desigualdad social, las difíciles condiciones laborales y los riesgos asociados a trabajos industriales o agrícolas. Muchas de sus obras ilustran los peligros de los lugares de trabajo y las tragedias personales de las familias trabajadoras.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Riesgo de caída a distinto nivel.

Falta de orden y limpieza en el centro de trabajo.

Inadecuada ropa de trabajo

Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Arnés de seguridad, Ropa de trabajo, guantes, etc..)

Otros riesgos no evidentes pero que se pueden deducir (Horarios de trabajo, falta de formación en caso de emergencia,…)

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#Art&Prevention #PRL #riskxxi #arteyprevencion #prevencionable #oriolbraconsclapes #metodoRHS #SmartSafety @riskxi #Despuesdelaccidente #Unobreroherido #ErikHenningsen

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ARTE Y RIESGOS LABORALES (Divertimento by Oriol Bracons)

Año: 1.884

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Estilo: Arte social americano.

Medidas: 56 x 45 Cmts

Autor: Henry Alexander (USA – Estados Unidos de América, 1860–1894)

Se conserva en el Crocker Art Museum (California, USA), Adquirido con fondos aportados por Gerald D. Gordon, 2008. Henry Alexander (USA / Estados Unidos de América, 1860–1894)

Henry Alexander era un caso especial entre los artistas de su tiempo. Nació en San Francisco en una familia pionera de California. El artista retrató las personas, los lugares y las profesiones de su época. A los 17 años viajó a Alemania para formarse, estudiando a la Royal Academy de Múnich con Ludwig von L.fftz y Wilhelm von Lindenschmit, que le enseñaron a pintar con un estilo preciso y académico. Dos años más tarde, realizó su primera exposición pública en Múnich.

Alexander dejó Alemania el 1884 y fue reconocido por sus obras que retratan trabajadores utilizando las herramientas y enseres de su oficio. Entre las cuales destaca “The Cap maker” (el fabricante de sombreros) – 1884

La obra representa una persona, un hombre mayor, trabajando en un taller de fabricación de sombreros o gorras. Sentado ante una máquina de coser y en posición inclinada. El espacio de trabaja se ve un poco desordenado y un poco descuidado. El hombre está ubicado junto a la ventana por donde entra luz natural, a pesar de que parece que el taller está ubicado en un entorno urbano y rodeado otras edificaciones. Como iluminación de refuerzo solamente tiene un quinqué de aceite y por ello trabaja al lado de la ventana para aprovechas la luz natural.

Expuso “The Cap maker” en la ciudad de Nueva York antes de volver a San Francisco. Presentado en la Academia Nacional de Diseño, llamó la atención del coleccionista Thomas B. Clarke, uno de los principales coleccionistas de arte americano del siglo XIX, que posteriormente lo adquirió.

L’any 1891, quan la pintura es va exhibir a l’Acadèmia de Pennsilvània, va ser descrita com la representació de la “petita finestra d’una antiga mansió que s’ha convertit en un taller. . . . La composició és plena de detalls i amb accessoris mecànics, tot això acuradament representat. Fou pintat en una fàbrica de la ciutat de Nova York.

En 1887, Alexander dejó San Francisco para ir a Nueva York, donde se instala en un estudio a West Tenth Street. Se suicidó a los 34 años, y aunque su vida fue corta, Alexandre dejó un pequeño pero extraordinaria muestra de pinturas que documentaban la vida de finales del siglo XIX.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Golpes y cortes.

Posturas forzadas.

Falta de orden y limpieza en el centro de trabajo.

Inadecuada ropa de trabajo

Fatiga visual

Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, etc..)

Otros riesgos no evidentes pero que se pueden deducir (Horarios de trabajo, falta de formación en caso de emergencia,…)

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“¡Y AÚN DICEN QUE EL PESCADO ES CARO!” es una obra del pintor JOAQUIN SOROLLA y BASTIDA.

Año: 1.894

Técnica: Óleo sobre tela

Estilo: Impresionismo. Denuncia social.

Medidas: Alto: 151,5 cm; Ancho: 204 cm

Se conserva en: Museo Nacional del Prado, Madrid (España) desde el año 1971 (Adquirido inicialmente al autor, 1895 por el Museo de Arte Moderno 1895-1971; Museo Español de Arte Contemporáneo, hasta 1971; Museo del Prado, desde 1971)

Nada mejor para conmemorar el centenario del fallecimiento del gran pintor Joaquín Sorolla y Bastida (1863–1923) que dedicarle desde “Art & Prevention” una entrada, la que retoma la actividad después de un año de parón obligado por la pandemia de Covid 19.

O sea que he querido retomar la actividad de este divertimento con uno de las obras más emblemáticas de denuncia social a partir del arte. Muy conocida, muy admirada pero seguramente nunca valorada como lo hacemos desde este blog. Analizando con una mirada actual los riesgos laborales que se detectan/intuyen en cada obra.

El título del cuadro ya es toda una declaración de intenciones, “¡Y AÚN DICEN QUE EL PESCADO ES CARO!” nos indica claramente que el tema va en relación con las condiciones laborales, los riesgos y el modo de trabajar de estos personajes, pescadores, el fruto de su trabajo debería ser mucho más valorado y pagado.

Como bien describe Manuel Jesús Torres en su blog ArteTorre, en la bodega de un barco se está desarrollando una trágica escena marítima: un joven pescador ha sido gravemente herido y está siendo socorrido por dos expertos compañeros de trabajo. A la derecha, uno de ellos sostiene el cuerpo del inmóvil chico mientras que el hombre de camisa amarilla aplica paños de agua mojada sobre el torso desnudo previamente mojados en el cuenco del primer plano. Curiosamente el dolorido personaje porta sobre su pecho una notable medalla: amuleto de devoción por antonomasia. (Posiblemente dedicada a la Virgen del Carmen, patrona de hombres del mar y pescadores). Esto lo podríamos interpretar desde un punto de vista práctico en el sentido que para una efectiva protección de los pescadores mientras trabajan hay que mantener medidas de seguridad y prevención más allá de la fe y/o confianza que pueda tener cada uno.

Para realizar esta obra, muy probablemente Sorolla se inspiró en la novela de su amigo Blasco Ibáñez titulada «Flor de Mayo». Incluso en esta obra literaria se encuentra recogido el título del lienzo, concretamente en el capítulo final, cuando la tía de Pascualet llora la muerte de su nieto en las labores de pesca. Decía así: «¡Que viniesen allí todas las zorras que regateaban al comprar en la pescadería! ¿Aún les parecía caro el pescado? ¡A duro debía costar la libra…!». Tal vez este cuadro no se entiende sin antes leer la novela, pero la novela no se entendería igual sin analizar este cuadro.

Más allá del tratamiento estético y de la luz que magistralmente hace Sorolla, una mirada detenida de la obra nos impacta por su realismo dramático y nos lleva a pensar en muchas cosas que nos afectan en nuestra vida diaria.

Personalmente pienso que a pesar de existir una clara mejora en las condiciones laborales de los trabajadores de la pesca, el tema sigue siendo de actualidad (con matices), y el pescado quizás todavía no se vende hoy en día (en pleno S XXI) al precio que se debería vender. Tengámoslo en cuenta por ejemplo cuando vayamos a la pescadería.

Más información y fuentes:

MUSEO NACIONAL DEL PRADO. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/aun-dicen-que-el-pescado-es-caro/a4fcf4c7-4d54-4e50-9255-25b44f0e0416

MUSEO SOROLLA: https://www.culturaydeporte.gob.es/msorolla/inicio.html

PALAU MARTORELL/EXPO SOROLLA: https://www.palaumartorell.com/es/general-8

ARTETORRE: https://artetorre.blogspot.com/2016/06/analisis-y-aun-dicen-que-el-pescado-es.html

SOROLLA 2023: https://www.sorolla2023.es/

H/A! HISTORIA DEL ARTE: https://historia-arte.com/obras/aun-dicen-que-el-pescado-es-caro

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Cortes y golpes.

Trabajo a la intemperie

Falta de orden y limpieza en el espacio de trabajo.

Tropiezos y caídas.

Movimientos repetitivos

Posturas forzadas

Cortes y golpes

Inadecuada ropa de trabajo.

Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, calzado de seguridad, protección de la cabeza, etc.)

Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Horarios de trabajo, Inhalación de partículas, trabajo a la intemperie, deficiente formación para actual en casos de emergencia,…

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“Retablo de san Marcos” es una pintura de estilo gótico catalán realizada por Arnau Bassa.

Año: 1.346

Técnica: Retablo sobre madera

Estilo: Gótico (catalán)

Medidas: 226 (alto) × 250 (ancho) cm

Se conserva a la Colegiata Basílica de Santa Maria de Manresa, más conocida como Seu de Manresa (Barcelona).

A esta obra se la conoce como el retablo de San Marcos y san Aniano, puesto que el relato de la obra recoge en su tabla central la relación de San Marcos y san Aniano, la conversión de este y su consagración como obispo de Alejandría.

Inicialmente el gremio de zapateros lo encargó al pintor Arnau Bassa en 1346 por una capilla de la catedral de Barcelona. Cuando lo sustituyeron, el retablo fue a parar a la capilla de San Marc de Manresa, a los pies del Puigcardener, hasta que en 1902 se trasladó a la Seu (Catedral).

En formato de tríptico, la obra presenta varios episodios de la vida del santo, desde que se convierte al cristianismo hasta el suplicio de su muerte. La presencia de simbología en lo referente al gremio de zapateros es constante y se hace especialmente evidente a la casulla de San Marcos, investido obispo por San Aniano.

El autor, Arnau Bassa, hijo de Ferrer Bassa, empezó a aparecer relacionado con su padre a partir de 1345 como componente de su taller. Esta es su obra más destacada y la que le dio nombre al maestro de San Marcos, hasta que se pudo certificar su autoría mediante un recibo del 11 de diciembre de 1346.

El retablo tiene una estructura de tres bloques acabados en gablete y dos montantes acabados en pináculos, situados entre las tablas. No tiene predela.

Los bloques laterales contienen tres pisos de escenas, mientras que la calle central está formado por la tabla principal y está rematado por una crucifixión situada dentro del gablete.

Una de las escenas más conocidas del retablo se refiere a un milagro del santo hecho con unos zapateros trabajando. Esta es lo escena que nos interesa más en el contexto de Art&Prevention.

Esta escena se encuentra en el nivel central del bloque izquierdo e incorpora dos escenas:

A la izquierda, la escena se sitúa al taller del zapatero Aniano en la calle -un hecho habitual en la edad media- en el barrio de Racotis de Alejandría. A Marc se le había roto la sandalia y se acercó al taller del zapatero para que la repararan. Cuando Aniano se dispone a arreglarla, se pincha con una lezna y lanza un grito «Dios es el único !» ( Heis lo Theos). Marcos, cogiendo un poco de barro que le aplica sobre la herida, procede a curarlo milagrosamente mientras le explica la historia de la figura de Jesús y su sacrificio por toda la humanidad.

En este contexto se trataría de un accidente laboral y la rápida práctica de los primeros auxilios.

A la derecha, casi como un continuo, Maros está predicando los familiares de Aniano en la casa donde fue invitado.

Esto se podría entender como una formación en prevención de riesgos laborales.

Más información sobre la obra en “WIKIPEDIA – La Enciclopedia libre”. https://es.wikipedia.org/wiki/Retablo_de_San_Marcos_(Bassa)

Seu de Manresa. https://seudemanresa.cat/?lang=es

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

• Trabajo a la intemperie
• Riesgo de pinchazos y cortes.
• Posturas forzadas
• Deficiente diseño ergonómico del puesto de trabajo.
• Fatiga visual.
• Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, mascarillas, gafas de trabajo, etc.)
• Inadecuada ropa de trabajo.
• Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Horarios de trabajo, disconfort térmico, …

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“LA FRAGUA” es una obra del pintor FRANCISCO DE GOYA LUCIENTES.

Año: entre 1.815 y 1.820

Técnica: Oleo sobre tela

Estilo: Realismo

Medidas: 181,60 x 125,00 cmts

Se conserva en : The Frick Collection. Nueva York, Nueva York, USA

Históricamente la obra pertenecía a Javier Goya (hijo del pintor) que la vendió al Barón Taylor para la galería española de Luis Felipe I de Orleans. En 1.853 la pintura fue vendida por intermediación de Christie’s de Londres por la suma de 10 Libras. El nuevo propietario fue Henry Clay Frick, fundador de la colección donde está todavía expuesta hoy en día. The Frick Collection.

La obra representa a un grupo de 3 hombres trabajando alrededor del fuego en trabajos de fragua y forja de metal.

Uno de los hombres está de espaldas al observador y empuña un martillo que tiene alzado, en posición de dejarlo caer para dar un mazazo a la pieza que están trabajando.

Los otros dos hombres representados, uno está sujetando con fuerza una pieza sobre el fuego y el otro, aparentemente de mayor edad, realiza una tarea de ayuda que no se identifica bien.

La escena es muy impactante por su realismo y por la excelente representación de fuerza humana que denotan los 3 personajes. La dureza de la tarea y el trabajo desarrollado queda muy patente en esta pintura.

Alguien ve en la obra una cierta metáfora, en la que los hombres representan al pueblo español y el hierro representa al ejército francés.

Goya uso una paleta cromática oscura que hace presagiar su estilo pictórico tan característico de su última etapa creativa.

Es muy probable que Goya hubiera visto personalmente muchas veces alguna escena como la representada, dado que en algunos esbozos y apuntes suyos se han catalogado escenas muy similares.

Más información y fuentes:

“WIKIPEDIA – «Enciclopedia libre”. https://es.wikipedia.org/wiki/la_fragua_(pintura)

Fundación Goya en Aragón. https://fundaciongoyaenaragon.es/eng/obra/la-fragua/462

The Frick Collection. https://collections.frick.org/objects/196/the-forge

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

• Trabajo a la intemperie
• Riesgo de quemadura
• Movimientos repetitivos
• Posturas forzadas
• Cortes y golpes
• Exposición a ruido
• Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, mascarillas respiratorias, calzado de seguridad, gafas de trabajo, etc.)
• Inadecuada ropa de trabajo.
• Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Exposición a ruido, horarios de trabajo, Inhalación de partículas, disconfort térmico, …

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“Garment Worker” (trabajador de la confección) de Judith Weller

Año: 1.984

Técnica: Bronce

Estilo: Realismo

Medidas: 2,43 mts

Se conserva en: New York City – USA, emplazamiento público en Manhatan, 7ª avenida W, esquina con la calle 39.

“Garment Worker” es una escultura realista que representa a un obrero del sector de la confección cubierto con un “Yarmukle” o “Kipá”, lo cual le define como judío. Se le representa trabajando en tareas propias del sector de la confección, concretamente con una máquina de coser y estando en una posición curvada frente a la misma, en una actitud seria y una expresión “preocupada” que transmite cansancio y un cierto desinterés por el trabajo.

Se trata de la representación de un obrero de este sector de la Nueva York de la primera mitad del S. XX, por aquel entonces una ciudad en la que abundaban los centros de confección de ropa, concentrados especialmente en el llamado “Garment district” (perímetro ubicado entre la 5ª y la 9ª avenidas y las calles 34 y 42 de Manhatan, en NYC – USA).

A menudo las condiciones de trabajo eran deficientes y se producían accidentes, como el famoso incendio de la fábrica de camisas del 25 de marzo de 1.911, mundialmente conocido como “Triangle Shirtwaist Factory fire”, y a causa del cual fallecieron 146 personas: 123 mujeres y 23 niños. Este incendio desencadenó una reacción obrera importante que derivó en los primeros movimientos reivindicativos de los trabajadores organizados para la mejora de sus condiciones de trabajo. Especialmente las mujeres.

Actualmente este distrito de NYC ha perdido prácticamente toda su actividad en el sector de la confección, pasando a ser una zona de oficinas, apartamentos y comercio en general.

La autora, Judith Weller (Tel Aviv, Israel – nacida en 1.937),  participó en 1.957 en un intercambio cultural entre Israel y USA, por el cual se trasladó a NYC, donde se instaló. En 1.978 presentó su escultura “Garment worker” de un tamaño de 60 cmts en una exposición de la “National Sculpture Society”, al parecer alguien que visitó esta exposición se enamoró de la pieza, encargando posteriormente la realización de la escultura en su tamaño actual, que es la que se puede contemplar en su emplazamiento público.

Dicho encargo fue posible gracias al soporte de la “Ladies Garment Workers Union” y de las donaciones de diferentes diseñadores y empresas de confección.

Según relata la propia autora, para realizar esta escultura se inspiró en su padre que fue empleado en una empresa de confección, y ella retomó los recuerdos de su infancia para concebir la obra.

Más información y fuentes en:

Public Art Fun. Garment worker

Garment District. Wikipedia

Judith Weller

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Posturas forzadas.

Fatiga visual.

Fatiga mental.

Movimientos repetitivos.

Cortes y golpes con maquinaria.

Ropa de trabajo no adecuada.

Otros riesgos no evidentes pero previsibles: Horarios de trabajo, Turnos, Disconfort térmico, Falta de espacios para descanso e hidratación, etc….

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 “SEABEES MEMORIAL” Felix de Weldon, 1974

Técnica: Escultura y plafones en Bronce. Base: Granito negro. Muro: Granito negro.

Estilo: Realismo monumental.

Medidas:  Paneles monumentales (s/d)

Se conserva en: Espacio público al aire libre.  Memorial Avenue, en el acceso al Arlington National Cemetery, Arlington Virginia. (USA)

Los “SEABEES”.

Seabee (de la pronunciación en inglés de las siglas C.B., acrónimo de Construction Battalions) es el apelativo de una unidad de la Armada de los Estados Unidos especializada en obras de ingeniería civil y de construcción. La unidad fue creada a iniciativa del almirante Ben Moreell el 5 de marzo de 1942 durante la Segunda Guerra Mundial, llegando a alcanzar los 325 000 efectivos, operando principalmente en los escenarios de la Guerra del Pacífico (1937-1945).

A finales de diciembre de 1941, pocos días después del ataque a Pearl Harbor que provocó la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, el almirante Ben Moreell le pidió al presidente Franklin D. Roosevelt —a quien había conocido durante la Primera Guerra Mundial cuando éste era subsecretario de Marina— la formación de batallones navales reclutados entre ingenieros, obreros cualificados y capataces de la construcción civil. La propuesta levantó un enorme revuelo porque significaba que oficiales de origen civil tendrían autoridad sobre todos los oficiales y tropa de la Armada asignados a ellos, pero finalmente gracias al apoyo del presidente se formaron los Batallones de la Construcción (o CB, por sus siglas en inglés), y que pasarían a conocerse como Seabees (literalmente «abeja del mar») por la pronunciación del acrónimo CB en inglés. El nuevo cuerpo contaría con la divisa ideada por el propio Moreell «Construimus, Batuimus» (‘Construimos, Luchamos’) y sus miembros serían considerados combatientes por lo que si eran hechos prisioneros por el enemigo tendrían que ser tratados como tales y no podrían ser ejecutados.

Según el Centro Histórico Naval estadounidense, citado por el historiador Paul Kennedy, «los primeros reclutas fueron hombres que habían ayudado a construir la presa de Boulder, las carreteras nacionales y los rascacielos de Nueva York; que habían trabajado en las minas y canteras y excavado túneles del metro; que habían trabajado en astilleros y construido muelles y embarcaderos e incluso transatlánticos y portaaviones… Conocían más de sesenta oficios cualificados».

Antes de ser enviados al frente los reclutas de los Batallones de la Construcción pasaban por un periodo de entrenamiento y de prácticas intensivo. Al terminar la guerra habían formado parte de los Seabees un total de 325.000 hombres, que habían construido infraestructuras militares, la mayoría de ellas en Asia y el Pacífico, por un valor superior a los 10.000 millones de dólares.

El SEABEES MEMORIAL.

El SeaBees Memorial, es un monumento “memorial” dedicado a recordar las misiones desarrolladas por los SeaBees desde 1.942. Consta de unos paneles al fondo en los que se describen algunas de estas misiones y una escultura monumental de bronce delante, que representa un SeaBee con el torso descubierto, con un rifle colgado del hombro y en situación de ayudar a un niño pequeño.

Por la propia naturaleza del monumento las escenas en su conjunto son muy épicas. Desde nuestro punto punto de vista nos interesan sobretodo las escenas de personas realizando trabajos propios del sector de la construcción.

Al fondo, encima de los paneles, se lee la inscripción «SEABEES CAN DO»  (los SeaBees pueden hacerlo) y también «With willing hearts and skillful hands, the difficult we do at once. The impossible takes a bit longer!» (Con corazones dispuestos y manos hábiles, lo difícil lo hacemos entre todos a la vez. ¡Lo imposible lleva un poco más de tiempo!). En la base de la escultura se lee «With compassion for others / we build – we fight / for peace with freedom». (Con compasión hacia los demás, construimos, luchamos por la paz en libertad)

   Vista general del monumento.

Detalle. SeaBees trabajando. Acopio y Martillo neumático.

Detalle. SeaBees trabajando. Maquinaria.

Detalle. SeaBees trabajando. Andamio.

Detalle. SeaBees trabajando. Descargando hormigón.

Detalle. SeaBees trabajando. Maquinaria.

Sobre el autor. FELIX DE WELDON.

Felix Weihs de Weldon (Viena 1.907 – USA 2003). Escultor. De Weldon recibió su primer encargo como escultor a la edad de 17 años, con su estatua del educador y diplomático austriaco del Profesor Ludo Hartman. ​ En la década de 1920, estuvo en contacto con las comunidades artísticas de Francia, Italia y España. De Weldon eventualmente se trasladó a Londres, donde ganó algunos encargos, entre otros el retrato escultórico del rey Jorge V.

Un viaje a Canadá para esculpir al primer ministro Mackenzie King llevó a de Weldon a América del Norte, y decidió radicarse en los Estados Unidos. De Weldon se alistó en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial y se licenció del ejército con el rango de la Painter Second Class (PTR 2). Se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos en 1945.

En 1950, el presidente Truman nombró a de Weldon para la Comisión de Bellas Artes de los Estados Unidos. En 1956, volvió a ser nombrado por el presidente Eisenhower, y de nuevo en 1961 por el presidente Kennedy. En 1959 recibió el título honorario de Sir por sus servicios a la Corona británica. (Como no era miembro de la realeza no tenía derecho a ser nombrado como «Sir Felix de Weldon.») Falleció el 3 de junio de 2003, a los 96 años, en Woodstock localidad del Estado de Virginia.

Fuentes :

https://es.wikipedia.org/wiki/Seabee

https://www.stayarlington.com/directory/seabee-memorial

https://en.wikipedia.org/wiki/Seabees_Memorial

https://seabeehf.org/resources/memorials-monuments/national-seabee-memorial-arlington-national-cemetery-arlington-virginia/

https://es.wikipedia.org/wiki/Felix_de_Weldon

https://www.arlingtoncemetery.mil

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Caídas al mismo nivel

Caídas a distinto nivel

Posturas forzadas

Manipulación de cargas

Riesgo de atrapamiento por elemento móviles de máquinas

Cortes y golpes

Equipos de trabajo con partes móviles desprotegidas

Falta de Equipos de Protección Individual – EPI (Ropa de trabajo, guantes, mascarillas respiratorias, protección auditiva, gafas de trabajo, etc.)

Inadecuada ropa de trabajo.

Trabajo a la intemperie (exposición a inclemencias y

Otros riesgos no evidentes pero deducibles: Exposición a ruido, horarios de trabajo, exposición a sustancias potencialmente tóxicas, …

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“Carretera de el Port de la Selva a La Selva de Mar” de Josep Moscardó

Año: 2.015

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Post impresionismo realista.

Medidas: 65 x 54 cmts.

Se conserva en: Colección particular – Barcelona.

Josep Moscardó.(Barcelona, 1.953) Pintor, escultor y dibujante de arraigada tradición postimpresionista dentro de los máximos exponentes coloristas del momento: Mir, Amat, Sanvisens…, que a partir de una pincelada fácil, espontánea y refinada, retrata a menudo marinas o paisajes de Catalunya, Baleares, París y varios países de Europa y los EEUU. Junto a estas escenografías y panorámicas de considerable magnitud, conreó temas de interior, escenas de café y estudios de figura, temáticas en las que ejercitaba sus facultades caligráficas y una destreza ingeniosa por el dibujo. Desde el año 1982, comienza a experimentar el volumen del hierro, consiguiendo resultados vitales y originales que vaticinan un acercamiento potencial hacia esta disciplina tridimensional.

El cuadro “Carretera de el Port de la Selva a La Selva de Mar”, representa una paisaje y una escena habitual de la vendimia en una zona de la Costa Brava tradicionalmente muy productora de vino como es el Alto Ampurdán.

En este sentido es interesante recordar que actualmente los vinos de  la «D.O. Empordà» están viviendo un resurgir en calidad y distribución.

Esta obra tiene una doble presencia. Representa un bello paisaje de la zona, y además nos describe de manera agradable una costumbrista escena de vendimia. Como si el autor nos quisiera recordar que a pesar de la presión turística que suelen sufrir este tipo de poblaciones, existen tradición y actividades muy vinculadas a la tierra que perviven y se siguen dando año tras año, inmutables al entorno, reforzando la personalidad propia de este paisaje.

Se observa al fondo una visión general de la población de El Port de la Selva (Alt Empordà) que surge de un precioso mar de color azul intenso, con su característica silueta blanca perfilada sobre el fondo montañoso. En primer plano se recrea una bucólica escena de vendimia, que es la que nos interesa en este «Art&Prevention».

Esta escena nos muestra a un grupo de personas trabajando. Algunas de ellas en posición agachada recogiendo uva, otra acopiando las uvas ya cortadas y la última de ellas, en primer plano, conduciendo un tractor agrícola para transportar lo cosechado o bien para desplazar material y aperos. Los trabajos se desarrollan en un ambiente de cierta relajación que se refleja perfectamente en el cuadro, al aire libre bajo un sol radiante, y en paralelo a la vida que pasa por la carretera ubicada justo al lado del viñedo y con la evidente presencia de un destino turístico al fondo en el que, se puede suponer, se pasa la vida de turista.

Más información y fuentes en:

«La Galeria.» Sant Cugat.

Fundació Vila Casas.

«Sala Parés»

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Movimientos repetitivos.

Posturas forzadas.

Manipulación manuel de cargas.

Cortes y golpes con herramientas manuales.

Exposición a radiación solar excesiva. Golpe de calor.

Riesgo por picaduras o mordeduras de animales.

Volcado de tractor.

Inhalación de humos procedentes del tractor (para el tractorista)

Ropa de trabajo no adecuada. Carencia de Equipos de Protección Individual – EPI (Guantes, gorra o sombrero, gafas, calzado).

Otros riesgos no evidentes pero previsibles: Horarios de trabajo, Disconfort térmico, Falta de espacios para descanso e hidratación, etc….

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“RUBY LOFTUS SCREEWING A BREECH-RING” de Laura Knight

Año: 1.943

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Realismo

Medidas: 86,3 x 101,9 cmts

Se conserva en:  Imperial War Museum – London (U.K.)

Ruby Loftus Screwing a Breech Ring, es una pintura de la artista británica Laura Knight pintada por encargo en 1.943.

Representa una mujer joven, Ruby Loftus, operando un torno industrial en el contexto de la industria bélica británica durante la Segunda Guerra Mundial. Fue encargada por el War Artists Advisory Committee – WAAC (Comité Asesor de Artistas de Guerra), y actualmente forma parte de la colección de arte del Imperial War Museum.

La obra se inspira en una trabajadora real. La presenta en una fábrica haciendo trabajos muy técnicos que, habitualmente, estaban (y quizás todavía lo están hoy en día?) responsabilidad de hombres. Este tipo de trabajos requieren un aprendizaje y un oficio que normalmente era reservado al género masculino. Este es el principal mensaje de esta obra, que quiere transgredir y motivar al espectador mediante la evidencia que las mujeres pueden acceder perfectamente a estos trabajos tradicionalmente reservados a los hombres.

Parece ser que Ruby Loftus, la chica que realizaba estos trabajos y en la cual se inspira la autora, era muy hábil al desarrollar las tareas con el torno, a pesar de ser muy joven e inexperta. Esto abrió los ojos a los miembros de WAAC para encargar una pintura donde se reflejara esa destreza. La pintura fue encomendada a la pintora Laura Knight que enseguida aceptó el encargo.

Inicialmente Knight quería pintar la chica en un tradicional retrato de estudio, posando, pero finalmente se decantaron para pintarla en pleno trabajo a la factoría de la Real Fábrica de Artillería de Newport

Tanto el tema (industria) como el estilo altamente detallista y realista de la pintura son un canto al poder de la mujer. Se trataba de transmitir un mensaje (no olvidamos que estamos en plena II guerra mundial) de potencia, de normalidad y de capacidad técnica en un Reino Unido del todo implicado en esa contienda.

La pintura y su autora adquirieron mucha popularidad. El impacto propagandístico del retrato dio impulso a la contratación de mujeres en las fábricas de munición y acabó siendo un símbolo de la mano de obra femenina y del esfuerzo industrial vinculados a la guerra. ¡¡¡Misión cumplida!!!

La pregunta es: ¿Actualmente podríamos hacer una versión de este cuadro? ¿En qué tipo de trabajos haríamos posar a las mujeres? ¿En qué País? ¿En qué entorno social?….

Esta es la grandeza del arte. Nos hace reflexionar y hacernos preguntas.

Más información y fuentes en:

Wikipedia – la enciclopedia libre.

Imperial War Museum.

Museu de la Ciència i la tècnica de Catalunya.

ANÁLISIS DE LA OBRA Y SUS “RIESGOS LABORALES” (criterios actuales):

Riesgo de atrapamiento de manos.

Riesgo de proyección de partículas.

Posturas forzadas.

Cortes y golpes.

Exposición a ruido.

Movimientos repetitivos.

Inhalación de sustancias potencialmente nocivas.

Fatiga visual.

Ropa de trabajo no adecuada. Carencia de Equipos de Protección Individual – EPI (Guantes, gafas, protección auditiva).

Otros riesgos no evidentes pero previsibles: Turnos de trabajo, Riesgos psicosociales, Disconfort térmico,….

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